#basilio martín patino | Explore Tumblr posts and blogs

rosebudblog · 2 years ago

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EL FALSO DOCUMENTAL O EL DOCUMENTAL FALSO

LA VERDAD SOBRE EL POLO NORTE (1912)

EL JUEGO DE LA GUERRA (1965)

FRAUDE (1973)

ZELIG (1983)

LA VERDADERA HISTORIA DEL CINE (1995)

BORAT (2006)

A LA MIERDA 2020

Es complicado abordar el estudio de este género cinematográfico alabado por unos y denostado por otros. Creo que casi todos en alguna ocasión hemos asistido, ciertamente embobados, a la visión de algún documental sobre hechos o personajes supuestamente históricos y tan solo al finalizar la película se nos ha comunicado que se trataba de una ficción que escenificaba los hechos o bien que la historia narrada no era verdadera. Pero aquí llega el problema: ¿dónde termina la realidad y donde empieza la ficción?; ¿qué se pretende con el falso documental?; ¿cómo podemos distinguir el falso documental del documental falso?; ¿es comedia o es drama? Nuestro capítulo de hoy va a señalar brevemente los límites de este género sin entrar en profundos y sesudos análisis que pertenecen más a la teoría de la comunicación, que a mí personalmente se me escapan y vamos a presentar aquellos falsos documentales de más interés y calidad de la historia del cine.

Lo primero es puntualizar si el falso documental es un género cinematográfico en sí mismo o se le puede llamar documental de ficción. Algunos lo definen como una obra de ficción, pero con formato de documental, que pretende parodiar algunos hechos o personajes y/o también burlarse del espectador no en un sentido grosero sino haciéndolo participar de la parodia que se desarrolla (los ingleses llaman al falso documental mockumentary que es una mezcla de burlarse de y de documental). Estamos ante un género que utiliza los mecanismos lingüísticos del documental convencional, pero manipulando hechos, imágenes y personajes. Es esencial que el espectador desconozca hasta el final que lo que está viendo es en realidad falso, aunque los hechos y/o personajes a los que se alude puedan ser verdaderos. En el libro Nada es lo que parece, se expresa con claridad la disyuntiva entre realidad y ficción:

“El documental como género, por definición, se basa en imágenes reales para construir una historia en la que se extrae un fragmento de la realidad y se presenta al espectador. La forma en que se ordenan, organizan y estructuran esas imágenes conforman el punto de vista del autor y caracterizan al trabajo documental como un objeto artístico único. En contraposición a la ficción narrativa, el documental se basa en hechos, experiencias o situaciones reales; los protagonistas son personas que existen y sus vivencias ocurren en la realidad, lo cual lo convierte en un género que navega entre el periodismo y el arte. La ficción, sin embargo, construye su relato a partir del imaginario personal del autor; los personajes, las acciones, las situaciones, todo es construido a partir un planteamiento ficticio, no real, en el que la historia evoluciona cuándo y cómo el autor quiere y de la forma que él elige. El falso documental utiliza el formato de realidad que plantea el documental para narrar una ficción. De esta forma, consigue apropiarse de la estética y los códigos formales de la realidad para plantear una propuesta puramente ficticia, en los límites de lo veraz y lo irreal; en definitiva, convierte el trabajo audiovisual en un producto lúdico, en el que el espectador tiene, además, un protagonismo especial”.

Este género tiene sus defensores y detractores obviamente. Los detractores lo acusan de ser una oferta manipuladora hacia los espectadores mientras que los defensores inciden en el efecto crítico de estas obras que muestran efectivamente la manipulación a la que podemos estar sometidos por los medios de comunicación (el famoso programa de televisión de Jordi Évole sobre el 23-F responde a esta situación). Creo que habría que separar claramente si un específico falso documental pertenece a la comedia o al drama y para ello no hay mejor ejemplo que dos documentales españoles de Basilio Martín Patino: OJOS VERDES y CASAS VIEJAS. En Ojos Verdes, Patino realiza en forma de falso documental un homenaje a la copla creando un ficticio marqués (en realidad el flamencólogo Amós Rodríguez Rey) del que se nos cuenta su vida en relación con la historia real de la copla. Aparecen personajes reales y ficticios y la obra se puede catalogar de divertida, entretenida y didáctica en torno a un tema popular pero ajeno a hechos históricos o dramáticos. Sin embargo, en Casas Viejas, Patino nos relata los terribles sucesos acaecidos en Enero de 1933 en ese pueblo gaditano. Nos relata los hechos escenificándolos en función de unas supuestas películas rodadas en los mismos instantes en que suceden los acontecimientos por unos rusos y unos británicos. Los hechos son reales pero las imágenes son falsas. Patino juega en este caso con el espectador haciéndole creer que lo que estamos viendo es real cuando no es así. Personalmente me inclino más por el primer documental realizado en tono de comedia que en este segundo que, por otra parte, es técnicamente magnífico, en el que se nos esquiva el hecho de la falsedad de las imágenes.

¿Cuál fue el primer falso documental? En 1912 el médico norteamericano Frederick Cook presentó un cortometraje sobre su llegada al Polo Norte en 1909, un año antes que Robert Peary a quien se le atribuía esa hazaña. Realmente todo era falso y en algunos libros se le etiqueta como el primer falso documental de la historia, pero en sentido estricto se trata de todo lo contrario: un documental falso pues su autor pretendía engañar a todo el mundo y atribuirse esa hazaña. Básicamente los falsos documentales pueden ser de tres tipos: a) los que pretenden poner en cuestión la verdad de lo que estamos viendo, es el tipo de falso documental crítico; b) los que presentan una parodia de la realidad de unos hechos o personas en concreto; c) la mezcla de ambos tipos.

Para terminar, vamos a revisar cuales son los más destacados falsos documentales de la historia del cine:

THE WAR GAME (EL JUEGO DE LA GUERRA), de Peter Watkins (1965). En plena guerra fría, la BBC encarga una película que por su crudeza no emitió por televisión hasta 20 años después, aunque se estrenó en salas comerciales de cine. La película muestra las consecuencias de un ataque nuclear a la ciudad británica de Rochester. Es un gran documental de una crudeza infinita (recibió el Oscar en su género) pero, mi duda es si estamos ante un falso documental o una película de ciencia ficción (esta es la duda que se nos abre en muchos de los trabajos de este género: ¿es un falso documental o una ficción narrada en forma de documental?). Desde luego es una película que merece la pena su visión, aunque ya no tenga el impacto que acarreó en sus pases por las salas en una época en que prácticamente se desconocía la existencia de los falsos documentales.

F FOR FAKE (FRAUDE), de Orson Welles (1973). Con guion compartido con su pareja de aquellos años Oja Kodar, Welles nos sumerge en el mundo de la falsificación de obras de arte siguiendo al famoso falsificador Elmy de Hory. Mezclando realidad y ficción Welles, experimentado ya en el falso documento radiofónico de 1938 con La guerra de los mundos, realiza una película brillante como todo lo que tocaba este polifacético genio.

ZELIG, de Woody Allen (1983). Una parodia en toda regla: la vida de Leonard Zelig, una persona que adopta la forma física de los que le rodean en cualquier momento. Sin duda una divertida comedia en la que la falsedad queda clara desde el principio.

THIS IS SPINAL TAP, de Rob Reiner (1984). Un falso documental de culto en torno a un inexistente grupo de rock. Una divertida comedia en la que todo es falso.

CIUDADANO BOB ROBERTS, de Tim Robbins (1992). Una parodia política, de nuevo en el mundo de la música en la que un falso cantante de folck se presenta a las elecciones al Senado de los Estados Unidos con fines espurios. Una magnífica incursión de Tim Robbins en la dirección.

LA VERDADERA HISTORIA DEL CINE, de Peter Jackson, (1995). Lo confieso: es mi debilidad en el género, aunque su director no sea especialmente apreciado por mí. La película es tan original y brillante como recomendable (se puede ver en Youtube y no cuento nada más de ella).

CSA: CONFEDERATE STATES OF AMERICA, de Kevon Willmott (2004). Un falso documental en forma de historia virtual que hace la pregunta clásica: ¿qué hubiera pasado sí…? Un relato que produce cierta ansiedad al pensar que las cosas en USA podrían ser mucho más desagradables en temas como el racismo.

BORAT (2006). Aunque la dirección es de Larry Charles se puede decir que todo se debe a Sacha Baron Cohen, el creador del personaje Borat (una especie de Torrente con más acidez social): un periodista de una subdesarrollada Kazajistan que viaja a Estados Unidos. La película es una sátira que se puede tachar a veces de brillante y a veces de chabacana, pero creo que es imprescindible en el género.

BORAT PELICULA FILM SECUELA (2020), en este caso la dirección es de Jason Woliner pero sigue siendo Sacha Baron Cohen el centro y eje la película (ocurre como con los Hermanos Marx: ellos no eran los directores pero quien se atreve a no concederles su autoría). Mucho más ácida y vitriólica que la primera; el actor británico se introduce en el mundo más conservador de los Estados Unidos y en la campaña presidencial de 2019. Aunque no sorprende como la primera es muy recomendable (atención a la secuencia con Giuliani).

DEATH TO 2020 (A LA MIERDA 2020), de Al Campbell y Alice Mathias. Del creador de Black Mirror una película tan cínica como previsible pero que conserva momentos divertidos a pesar del año que trata. Recomendable (actualmente en Netflix).

25/7/2022

#falsodocumental

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veredes · 7 years ago

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Imágenes de la ciudad. Transformaciones en el tiempo | Jorge Gorostiza

Las ciudades, a pesar de todas sus imperfecciones e inconvenientes, son la creación más original, notable y característica de los seres humanos. No cabe la menor duda que hoy la vida de nuestra especie sobre este planeta no podría entenderse sin esos entornos edificados donde desarrollamos nuestras vidas.

[...]

Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto. Santa Cruz de Tenerife, junio 2009

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marcopolorules · 6 years ago

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"Es difícil ayudar. Saber lo que buscas, lo que te entristece en tus tristezas. Es algo que ha desaparecido pero que existe, está en ti. Lo que buscas es un tiempo mejor, un mundo más hermoso. ⠀ Quizás es ese mundo únicamente lo que abrazas cuando abrazas a tus amigos. Tú, junto con ellos, eres ese mundo."⠀ ⠀ "It is difficult to help, to know what you are looking for, what saddens you in your sorrows, it is something that has disappeared but exists, is in you, what you are looking for is a better time, a more beautiful world.⠀ Perhaps that world is only what you embrace when you embrace your friends. You, along with them, are that world."⠀ ⠀ Basilio Martín Patino⠀ & Edmond Simpson (artist)⠀ ⠀ #art #portrait #portraitart #contemporaryart #contemporaryartist #newcontemporary #digitalart #digitalartist #digitalcollage #collageart #collageartist #collageartwork #collagework #collagecollectiveco #c_expo #collagemaker #collage_guild #photocollage #contemporarycollage #collagestash #popsurrealism #collageonpaper #cutandpaste #retroart #undergroundart #popsurrealism #artcollcetor #marcopolorules #vagabondwho https://www.instagram.com/p/BvB9YdTDM9J/?utm_source=ig_tumblr_share&igshid=1ephthajdm7x7

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pablolf · 2 years ago

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Film Journal

"Canciones para después de una guerra" by Basilio Martín Patino

#canciones para despues de una guerra #film journal

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ivanreycristo · 2 years ago

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La primera película de Bigas LUNA [q murió cuando preparaba la post_apocaliptica SEGUNDO ORIGEN centrada en BARCELONA]..q rodó fue TATUAJE: " En una playa barcelonesa aparece el cadáver de un hombre joven, con la cara comida por los peces, quien lleva tatuada en el brazo la frase: "He nacido para revolucionar el infierno". Así comienza un extraño enigma. Para empezar hay que encontrar un nombre a este muerto, averiguar su identidad. Este es el encargo que recibe Pepe Carvalho, detective gallego, exagente de la CIA y escéptico vocacional, lo que no le impide disfrutar y saborear los placeres de la buena mesa y la buena cama. Entre los bajos fondos de Barcelona y las calles y los canales de Ámsterdam, Carvalho no tarda en dar con la respuesta.

Una de las cuestiones más desconocidas de Bigas Luna fue el rodaje y dirección por las fiestas y ciudades españolas en 2008 y 2009 para la proyección del pabellón de España en la Expo de Shanghái de 2010. En la proyección final también aportaron sus obras Isabel Coixet y Basilio Martín Patino. En ese rodaje se consiguió el plano del encierro de San Fermín más largo jamás rodado gracias a una técnica aportada por Bigas Luna que permitía conformar un plano recto grabado con seis cámaras[5] para ser proyectado en una pantalla de 85 metros..

..y ya SABEIS q prohibire las PUTAS FIESTAS DE SALVAJES ESPAÑOLAS para en CAMBIO fomentar las del SEXO LIBRE O SALVAJE..EN VEZ DE BORRACHOS,FUMATAS, IDOLATRAS, PUTEROS,DROGATAS, PUTAS ESTRECHAS, TORTURADORES DE ANIMALES, ETC

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paulaherr · 3 years ago

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De prehistoria y viajes: Centenario de Fernán Gómez.

Pisó muchos escenarios tras recorrer leguas y leguas, se puso delante y detrás (detrás: ‘El extraño viaje’, ‘La vida por delante’, ‘El viaje a ninguna parte’) de las cámaras, escribió guiones cinematográficos y novelas. Se sentó en la Academia. Publicó artículos en la prensa nacional. Y, antes de eso, de llegar a las planas de los medios de alta tirada y difusión, apareció su colaboración literaria en una revista “de provincias”, aunque era capital. Con el título de “El actor en España”. Era 1955. Era el número 2 de ‘Cinema Universitario’, correspondiente a octubre-noviembre-diciembre, surgida en Salamanca bajo la dirección de Basilio Martín Patino. Constituye su prehistoria en ese campo (periodístico). Contaba, en aquel momento, 33 años.

<El cine es el mejor medio de expresión del arte del actor>, aunque <ha estado siempre relacionado con la creación dramática>, casi siempre asignada al teatro, escribía. Apuntaba, además de reclamar un <prestigio social> para el intérprete o comediante, que <el mérito más grande de un Director está en sacar una buena película de un mal guion y un mal grupo de intérpretes>. Al final del texto destacaba que <no se puede interpretar sin amor, sin comprensión, ni a los personajes más abyectos, y este ejercicio de amor a todos y de comprensión es lo único que el actor sabe que de verdad le acerca a la verdad absoluta y que le justifica de sus pecados de frivolidad, escándalo y vagabundeo>. Previamente había enviado este recado: <en el caso de la relación concreta entre actores y público, al mismo tiempo debiera mejorarse la calidad de los actores que aumentar la calidad y cantidad del público>... Hoy, 28 de agosto, se cumple el centenario del nacimiento del autor de esas palabras: Fernando Fernán Gómez, personalísimo, tan genial como particular.

#periodista #periodistas #periodico #periodismo #opinion #critica #critical thinking #cine #cinema #peliculas #actores #actualidad #sociedad

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miguelmarias · 4 years ago

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Raza, el espíritu de Franco (Gonzalo Herralde, 1977)

Como tentativa de crítica cinematográfica filmada —que es, sin duda, como debiera hacerse: con imágenes y sonidos, y no con palabras—, no creo que Raza, el espíritu de Franco tenga ningún precedente, al menos dentro del cine español. Lástima que esta originalidad, que merece ser saludada por su audacia y por el camino que puede abrir a otros directores, no se haya empleado para llevar a cabo un análisis del estilo cinematográfico, de la estructura narrativa, de la caracterización de los personajes o de los medios de que se sirvió José Luis Sáenz de Heredia para tratar de lograr la adhesión del espectador al mensaje político del film que Gonzalo Herralde comenta y critica: Raza (1942), repuesto en 1950 con el título El espíritu de una raza. Hubiera sido fascinante —y más productivo— demostrar que Raza es una típica manifestación de la retórica fascista — lo mismo, por lo demás, que Z, y tantos otros films cuyo contenido explícito se pretende «progresista»— y un exponente tan «logrado» de la estética del franquismo como el mismísimo Valle de los Caídos; no sé si Herralde no ha querido o no ha podido hacerlo, pero el caso es que se ha limitado a la aristarquista misión de reivindicar como autor del film no a su director —que, como todos sabemos, es un muy mediocre artesano—, sino a su guionista, Francisco Franco Bahamonde, alias «Jaime de Andrade».

De todos es sabido, y desde hace ya bastante tiempo —aunque ahora Alfredo Mayo lo corrobore en el film de Herralde—, que Franco, celebrado —por el No-Do— cineasta «amateur» y cinéfilo de dudoso gusto, no se contentó con pergeñar semejante bodrio anticomunista-patriotero-moralizante, sino que vigiló de cerca la realización de la película, tomándose por un David O. Selznick de vía estrecha; hasta tal punto debió supervisarla, que cabría suponer que la dirigió por teléfono, o a través de las instrucciones que mandaba con un motorista. Por si tal grado de control fuese insuficiente para atribuir a Franco, sin reparo alguno, la paternidad de Raza, Román Gubern —que confeccionó con Herralde el cuestionario sometido a Pilar Franco y Alfredo Mayo— ha dedicado un librito a esclarecer minuciosamente el paralelismo que puede detectarse entre la alegórica y melodramática trama argumental del film, por un lado, y algunos hechos de la vida privada de Franco, por otro, presentados unas veces tal como fueron y otras, las más quizá, sublimadas (es decir, tal como el dictador le hubiera gustado que fuesen), y reservándose a sí mismo el papel protagonista, el de José Churruca, un buen hijo con más vidas que un gato —sobrevive, si no recuerdo mal, un par de fusilamientos y gravísimas heridas, esto último igual que Franco en Marruecos—, que no duda en enfrentarse, para salvar a la Patria, ni con su propio hermano, corrompido por el comunismo pero pintado más bien como un tahúr burgués y bon vivant.

Pienso que Gonzalo Herralde ha reproducido, con medios más adecuados, la labor histórico-anecdótica de Gubern, y para ello ha montado en paralelo las ridículas escenas clave del film «franquista» por excelencia con breves —y un tanto insatisfactorios— fragmentos de entrevistas, que (no sé por qué, ¿tal vez se negó Sáenz de Heredia?) se limitan a dos «testigos»: uno, del rodaje del film (Alfredo Mayo, el actor que encarnó a José Churruca), y el otro, de la vida de Franco (su hermana Pilar, único superviviente de los Franco Bahamonde, y conocida por su afición a hablar). Aunque sin hacer de la vieja película una parte integrante del «texto» de la suya —sino el «pre-texto»—, la táctica de Herralde tiene algunos puntos de contacto con la elegida por Dušan Makavejev en Nevinost bez zaštite (Inocencia sin defensa, 1968), aunque el resultado tenga bastante menos gracias e intención que el conseguido por el cineasta yugoslavo. Herralde ha actuado con seriedad de erudito que redacta una nota al pie de página de un libro de historia, y con una «objetividad» que, en 1977, resulta insuficiente; no se trata de que el verdadero protagonista de Raza, el espíritu de Franco —es decir, Franco, más que Raza— esté enfocado con complejidad, ni de que su figura resulte «ambigua», sino de que la excesiva neutralidad de Herralde convierte su película en un producto que puede ser del agrado de los nostálgicos del franquismo.

Al contrario de lo que sucede en Caudillo, el interesantísimo film de montaje de Basilio Martín Patino (pese a estar realizado en 1974), no es posible encontrar en Raza, el espíritu de Franco ni una reflexión histórica, ni una tentativa —por parcial y tímida que fuese— de la función militar y política de Franco; ni siquiera se nos presenta, junto a la película que concibió y supervisó, el contexto histórico que la explicaría, y que no me parece lícito dar por supuesto. Todo queda reducido a la pura anécdota intrascendente; Franco se confunde con la imagen idealizada de él que da Alfredo Mayo interpretando a José Churruca, y se convierte así, o casi, en un personaje de ficción, cuando desgraciadamente —por lejano que ahora nos parezca— no lo fue. Además, debo decir que a mí Franco no me interesa lo más mínimo, y su vida privada no me inspira la menor curiosidad, y que por eso Raza, el espíritu de Franco, con toda su originalidad y a pesar de la indudable habilidad que demuestra Herralde, me parece un film carente de importancia, casi irrelevante. Si Franco tuvo —muy a nuestro pesar— una indudable trascendencia histórica, de cuyas secuelas aún hoy somos víctimas, me parece evidente que no se debió a sus frustraciones personales, ni a sus sueños de gloria, ni a su hermano Ramón —que es cuanto, poetizado con cursilería folletinesca, el film de Herralde nos revela de él— , sino a que participó en una rebelión contra el Gobierno legal de la Segunda República, logró hacerse con el mando de las tropas sublevadas, fue concentrando en su persona todo el poder mientras conseguía ganar la guerra civil —que es lo que, más o menos, nos muestra Caudillo—, y logró mantener el poder conquistado con las armas y la astucia durante casi 40 largos años. Y me temo que el prestar tanta atención, y tan respetuosa, a la persona —en el sentido teatral de «máscara»— de Franco y a su vida privada —o, más bien, soñada— haga que la película de Herralde resulte mucho más interesante para los franquistas —que hasta se emocionarán con las acartonadas imágenes de Raza, que estarán de acuerdo con cuanto dice Pilar Franco— que para los que no hemos sido nunca nada parecido, a quienes no logran sacarnos de la indiferencia y de un cierto tedio malhumorado ni siquiera los disparates que dicen los entrevistados —porque tampoco Alfredo Mayo se salva de parecer, como poco, un inconsciente: por lo visto, militó en las filas «nacionales» igual que pudiera haberlo hecho en las republicanas, y todavía no parece haberse dado cuenta de que llegó a convertirse en el prototipo del héroe fascista del cine español de los años 40 y 50—, ni las grotescas estampitas que, al dictado de Franco, filmó el cuñado de José Antonio Primo de Rivera, el mismo que, esta vez a instancias del Ministerio de Información y Turismo regentado por Fraga —y no del Consejo de la Hispanidad—, rodó Franco, ese hombre (1964), para celebrar los «25 años de paz» que tan irritantemente machacaron mis oídos dieciseisañeros.

Miguel Marías

Revista “Dirigido por…” nº 50, enero-1978

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